Films d'horreur d'Halloween: la collection d'horreur des années 70 sur Criterion Channel

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J'ai un vieil ami, l'un de mes plus vieux, avec qui j'ai grandi en regardant des films. Plus précisément, les films d'horreur. C'était notre truc. À partir de 1935 La mariée de Frankenstein (à la télévision des années 60), à de nouveaux films révolutionnaires et controversés comme Nuit des morts-vivants dans notre single-plex local vers 1970 (alors que nous n'avions que onze ans et que nous étions à peine préparés intellectuellement ou spirituellement à voir ces morts-vivants manger des abats), nous en consommions autant que nous le pouvions. Nous avons également acheté régulièrement le magazine Monstres célèbres de Filmland . En conséquence, nous étions de loin les enfants les plus populaires de notre école primaire de Dumont, dans le New Jersey.



Et nous étions tous les deux très découragés, en tant qu'adultes, dans le renouveau de l'horreur ostensible que nous avons vu (ou peut-être devrions-nous dire témoin) au début, en particulier, oui, dans le Vu la franchise. Mon copain travaillait dans un magasin de vidéos - jusqu'à la toute fin des magasins de vidéos - et en tant que fan d'horreur résident de son magasin Tower Records, il était assailli par de jeunes clients enthousiastes. Vu et d’autres photos, et il roulerait des yeux.



je aimé films d’horreur, dirait-il. Mais je n'aime pas ça. Alors que notre propre coin de paradis cinématographique avait de la place à la fois pour les classiques de la vieille école et les héritiers de Romero (ce qui n'était certainement pas le cas pour les personnes plus âgées que nous, qui déploreraient la terrible violence des nouvelles images), des trucs comme Vu était là où nous avons tracé la ligne. Tout comme les mordus du genre rock décrieraient le faux métal, nous pensions que ce nouveau truc était Faux Grindhouse.



Le grindhouse. C'est, ou plutôt était, une salle de cinéma quelque chose de moins que la première fois qui abritait des plats criards comme Nuit des morts-vivants et la série de films qui a suivi. Pas seulement un lieu environnemental mais un état d'esprit. Une esthétique, si vous voulez. Un chéri, comme nous le savons. par les goûts de Rodriguez, Tarantino, Roth et d'autres, mais rarement repris.

Si vous avez accès à Criterion Channel, vous pouvez maintenant, via son Collection d'horreur des années 70 , obtenez une dose agréable, lourde et souvent inquiétante de authentique horreur grindhouse.



Ce qui, malgré la sagesse conventionnelle qui l’appelle aussi cinéma d’exploitation, n’a pas toujours été fait par des créateurs de films adorateurs de Moloch se pliant au plus petit dénominateur commun. Des réalisateurs tels que David Cronenberg, Bill Gunn, Wes Craven, Larry Cohen et d'autres, tous représentés dans le festival d'horreur des années 70 joliment organisé de Criterion Channel, ont pris leur prérogative à petit budget pour enquêter sur les thèmes transgressifs et faire valoir, bien que parfois camouflés, déclaration sur non seulement la société contemporaine, mais la condition humaine.

Ces cinéastes n’étaient même pas les plus grincheux des auteurs de la grindhouse des années 70. Il y a toute une guilde de réalisateurs italiens, notamment Lucio Fulci, qui ont emmené le cinéma sadique vers de nouveaux extrêmes ultra-macabres. Parce que les années 70 étaient également remarquables pour de nombreux films d'horreur dans lesquels le mot Cannibal figurait en bonne place dans le titre. (Dario Argento, un autre maestro de l'horreur italienne, qui a fait le premier, intouchable essoufflement et d'autres grands loufoques, se trouve un peu à droite de la plupart de ces personnages.) Ces éléments ne font pas partie du package Criterion. Ce qui ne veut pas dire que les images manquent ici de perversité ou de crasse. Aussi intelligent que, disons, les films de Cronenberg Enragé et Frisson sont, ils sont rapides et remplis de sensations fortes viscérales. Ce sont des images très déprimées et sales.



C’est dans le manque de réputation et l’obscurité que les films d’horreur des années 70 ont trouvé leur place la plus solide, sans doute. 1974 de Tobe Hooper Le massacre à la tronçonneuse du Texas a été fait à bas prix, tourné sur un film 16 mm, par opposition au plus grand calibre 35 qui était utilisé pour les produits hollywoodiens, mais il était également impeccablement conçu. Il regorge de compositions de plans et de mouvements de caméra incroyables, et est si confiant qu'il suscite des frayeurs hystériques sans être aussi sanglant que le suggère le titre du film. (Ce qui ne veut pas dire qu'il n'y a pas beaucoup de sang, finalement.)

Photo: Collection Everett

Mais un autre composant qui a donné Massacre une grande partie de sa puissance était son obscurité venue de nulle part. Le casting était composé d'acteurs inconnus. Être pris dans leur histoire (malgré le fait que ces enfants post-hippies à la recherche d'un étang n'étaient pas très sympathiques), vous vous êtes investi dans leur destin. Et vous n'aviez pas d'attachements ou d'associations préalables avec eux pour vous indiquer ce qui allait se passer. Dans le remake de 2003 du film, l'actrice principale était Jessica Biel. Cela a rendu le TCM Le slogan original de «Qui survivra et que restera-t-il d’eux? sorte d'universitaire.

En regardant les différents remakes des films de cette collection Criterion - plus d'une demi-douzaine des 23 images ont eu un redémarrage ou une suite d'une sorte - il est clair que même les meilleurs sont affligés par une conscience de soi qui sert de une sorte de coupure d'aile créative.

De 2019 Enragé , écrit et réalisé par Jen Soska et Sylvia Soska, une talentueuse équipe de réalisateurs canadiens, se présente souvent comme un hommage ouvert non seulement à l’image de Cronenberg de 1977, mais aussi à l’homme et à toute son œuvre de genre. Dans une salle d’opération, par exemple, les médecins revêtent une robe rouge vif, tout comme les jumeaux gynécologues des frères Mantle l’ont fait en 1988 à Cronenberg. Sonneries mortes .

Dans la version originale Enragé , qui place la star du porno Marilyn Chambers dans le rôle principal (et présente la nudité d'elle, bien que dans un registre très différent de ce qui était le cas dans Derrière la porte verte ), la protagoniste Rose est en quelque sorte un chiffre, bien que séduisant. Elle acquiert une variante de la condition du titre après une chirurgie reconstructive à la suite d'un accident de moto défigurant.

Le point de vue de Cronenberg sur le personnage est celui d’un détachement presque clinique. Les sœurs Soska adoptent une perspective d'affinité et d'empathie féminines. Ici, Rose est une créatrice de mode timide dédaignée et maltraitée par ses collègues, dont le patron Gunther, dont la ligne de vêtements s'appelle Schadenfreude. (Il est joué par Mackenzie Gray, qui semble canaliser Tommy Wiseau, ce n'est pas la meilleure idée dans ce contexte. Mais il prononce également une ligne dans laquelle les cinéastes semblent se dire un peu: pourquoi continuons-nous à recréer de nouvelles tendances? )

Mais une fois Rose (incarnée ici par Laura Vandervoort) transformée, les Soskas évitent de se venger du scénario giroflée au profit d'une enquête un peu élaborée sur les idées cronenbergiennes qui ont trouvé pied dans le monde réel, y compris la notion de transhumanisme.

C'est intéressant et engageant jusqu'à un certain point, même s'il est un peu trop souvent sur le nez dans certains détails. (Nommer le chirurgien transhumaniste William S.Burroughs est presque inexcusable, même si les gens ont rendu hommage à l'écrivain visionnaire en utilisant la poignée de son personnage de signature, le Dr Benway, plus de fois que l'on ne peut compter.) reprise du fameux bâillon du centre commercial-Santa de l'original, il n'y a rien dans le film qui offre quoi que ce soit comme une gueule de bois.

Et il y a le hic. Le sarcasme et l’insouciance de la première vision de Cronenberg (et cela s’applique également aux années 1975 de Cronenberg Frisson , dont la prémisse scandaleuse est Nuit des morts-vivants , seulement ce qui-si-excité-au lieu-de-cannibale) peut encore vous secouer d'une manière que cette image ne fait pas.

Le 2019 Noël noir , le troisième film de ce titre, à la suite de la photo slasher canadienne de 1974 (qui est dans le festival Criterion, et qui n'est pas non plus un Père Noël est l'article qui tue - vous pensez peut-être plutôt à 1984 Nuit silencieuse, nuit mortelle , ou de cet épisode de Joan Collins dans le 1972 Contes de la crypte ) est également une vitrine pour les talents féminins du cinéma. Il est réalisé par Sophia Takal à partir d’un scénario qu’elle a co-écrit avec la critique avisée April Wolfe. Le modèle de tueur en série traquant un campus universitaire s'adapte à une sensibilité féministe. Les protagonistes, dirigés par Imogen Poots, sont des sœurs de sororité luttant contre les agressions sexuelles et la culture fraternelle super-patriarcale. Leur dialogue domestique présente des lignes comme si je ne trouvais pas ma coupe de diva.

Mais alors que Takal est superbe Film 2016 Toujours briller était une exploration galvanique de l'amitié féminine devenue toxique, Noël noir s'en tient aux archétypes positifs. Ce n’est pas en soi une mauvaise chose, mais lorsque cela est fait aussi laborieusement qu’ici, mais cela donne une histoire dont la résolution est tout aussi prévisible que tout produit d’entreprise. Alors que le cinéma a un sens de propulsion louable, l'absence totale d'ambiguïté en fait une expérience moins que résonnante. Bien que l’usurpation d’identité de Roddy MacDowell par Cary Elwes soit assez remarquable.

Le critique vétéran Glenn Kenny passe en revue les nouveautés sur RogerEbert.com , le New York Times et, comme il sied à quelqu'un de son âge avancé, le magazine AARP. Il blogue, très occasionnellement, sur Certains sont venus en courant et tweets, principalement pour plaisanter, à @glenn__kenny .

Regardez la collection d'horreur des années 70 sur la chaîne Criterion