Lorsque les réalisateurs font le saut de la scène à l'écran, une poignée de problèmes récurrents ont tendance à se présenter, qu'il s'agisse d'une trop grande permissivité avec les acteurs ou d'une inertie visuelle imitant les décors statiques de l'avant-scène. Mais dans le nouveau Chaussée , le premier long métrage cinématographique de Lila Neugebauer, nominée aux Tony, son expérience dans le théâtre s'avère un atout bien plus important que la responsabilité. La sensibilité patiente qu'elle a perfectionnée à Broadway et ailleurs - était essentielle à la pièce de caractère dépouillée sur un vétérinaire afghan (Jennifer Lawrence, aussi bonne qu'elle ait jamais été) en convalescence à la Nouvelle-Orléans et le local à la voix douce (Brian Tyree Henry, avec que Neugebauer va très loin) transportant son propre SSPT. Alors qu'ils conduisent dans la ville - photographiés avec une plus grande attention aux détails que la grande majorité des innombrables productions tournées à Nola - et qu'ils se baignent occasionnellement dans les piscines qu'elle est censée nettoyer, ils révèlent une vulnérabilité mutuelle qui ne peut être construite que sur défini en temps réel.
La croyance de Neugebauer dans l'importance de la répétition ne représente qu'un élément d'un engagement plus large envers le travail pratique de personne à personne, donnant à ses collaborateurs l'espace dont ils ont besoin pour s'épanouir. Elle a abordé son premier film principalement comme une opportunité d'apprendre, s'immergeant dans la ville qui l'accueille comme elle l'a fait en présence de son actrice principale, acquérant dans les deux cas une connaissance plus approfondie uniquement en investissant du temps pour construire une relation. Les résultats de cette mentalité extra-mile sont visibles dans un drame modeste qui, malgré toutes ses fioritures d'écrivain, a une âme authentique et crédible. Et dans Neugebauer, le cinéma indépendant américain présente le prochain nom que nous devrions mentalement cataloguer pour une référence future tout au long de notre carrière.
Au téléphone la veille Chaussée créée dans les salles et sur Apple TV + plus tôt ce mois-ci, 'malade comme un chien' de son propre aveu, Neugebauer a néanmoins pris le temps de discuter avec h-townhome pour trouver sa place dans Crescent City, se liant avec l'insaisissable J-Law, tuant ses chéris dans le processus d'édition et transmettant l'alligator frit (pour l'instant).
RFCB: Je crois comprendre que ce script a traversé de nombreuses phases d'évolution entre sa première écriture et ce qui est maintenant à l'écran. Pouvez-vous nous présenter les différentes étapes de développement de cette histoire ?
LILA NEUGEBAUER: Le scénario original que j'ai lu – c'est au printemps 2019 – était un scénario magnifiquement conçu, lyrique, profondément ressenti, prudent, patient, très structuré de manière non traditionnelle par un écrivain nommé Elizabeth Sanders. C'était une adaptation d'une nouvelle qu'elle avait écrite, intitulée Rouge, blanc et eau . L'ADN du film que vous voyez maintenant est enraciné dans les contours de cette histoire, son cadre et sa prémisse. Le premier cycle de développement a été informé par le fait que je ne pouvais pas faire ce film sans consulter de manière significative les personnes qui vivraient cette expérience. J'ai donc entamé un vaste processus de discussion avec des experts médicaux dans le domaine des lésions cérébrales traumatiques, principalement pour le département américain des anciens combattants à New York, qui s'appelle Harbour Healthcare. Pendant que je tournais, ces conversations se sont poursuivies au VA à la Nouvelle-Orléans. Je parlais également avec des militaires et des vétérans des forces armées actives, dont beaucoup avaient des traumatismes crâniens, bien que nous ayons également discuté de leurs raisons de s'enrôler en premier lieu, de leur temps de déploiement, des défis auxquels ils étaient confrontés pour rentrer chez eux. Je dirais donc que ces conversations ont transformé ce qui avait été un scénario beau et poétique en quelque chose d'un peu plus ancré dans les réalités cliniques.
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En cours de route, nous avons également bénéficié des contributions des écrivains Luke Goebel et Ottessa Moshfegh, sur l'histoire et le dialogue. Et puis dès le départ, nous avions impliqué Brian [Tyree Henry] et Jen [nifer Lawrence] dans la formulation de leurs personnages. Ils étaient très liés à ces personnages, ce sont des gens très astucieux sur le plan dramaturgique pour qui cela est devenu très personnel et continue d'être personnel. Ces discussions ont contribué à approfondir ma compréhension des personnages et de la relation entre eux.
La fin de ce monologue est que l'édition est aussi sa propre forme d'écriture, vous restructurez et élidez et compressez et réorganisez. Il est déjà de notoriété publique que j'ai tourné des flashbacks pour ce film, des scènes scénarisées se déroulant en Afghanistan et à Landstuhl, un hôpital allemand géré par l'armée américaine. J'ai adoré ce métrage. Nous avons tout tourné en 16mm, c'était super. Notre chef décorateur, la légende vivante Jack Fisk, a transformé une décharge de la Nouvelle-Orléans en base militaire. Il y avait une dynamique plus émotionnelle entre la caméra et le sujet, que nous avons conçue comme un contrepoint au présent. Et c'était donc un processus douloureux de réaliser que la version la plus forte de ce film n'avait pas de place pour ces scènes.
Je me demande si tout cela ne vous est pas familier en tant que metteur en scène de théâtre, où le texte est le texte, à peu près reçu tel qu'il est.
En fait, parce que j'ai passé la majeure partie de ma carrière théâtrale à travailler sur de toutes nouvelles pièces, l'aspect scénaristique du processus est assez familier. J'ai souvent signé des projets encore au stade de l'idée, ou j'ai été dans la salle avec un scénario pendant des années d'ateliers. Je travaille avec une compagnie qui s'appelle The Mad Ones au théâtre, nous entrons dans la télévision maintenant et nous écrivons tous ensemble depuis douze ans. Nous sommes cinq, nous co-écrivons des pièces ensemble, les membres de la compagnie jouent et je mets en scène. Fléchir ce muscle, entrer dans les mauvaises herbes avec les mots, c'était très naturel pour mes pratiques.
J'aurais deviné que votre expérience dans le théâtre est très utile lorsque vous travaillez avec des acteurs. Ces scènes sont dirigées par les performances, et vous pouvez voir les répétitions dans la façon dont ces personnages sont habités de manière organique. Est-il difficile de cultiver la confiance et l'intimité endémiques à la scène d'un plateau de tournage, où tout est dicté par les délais et les budgets ?
Ce qui a été extrêmement chanceux, c'est que je connais Brian depuis l'âge de dix-neuf ans. Nous nous sommes rencontrés quand j'étais étudiant de premier cycle à l'université et il était à l'école de théâtre, nous sommes donc de vieux amis, et c'était la première fois que nous travaillions ensemble. Il y avait donc une base de confiance existante entre nous. Cela a été extrêmement utile pour créer un raccourci pendant notre temps sur le plateau, et comme vous l'avez dit, le temps n'est pas votre ami. De même, ce projet s'est concrétisé de manière accélérée et fortuite une fois que j'ai rencontré Jen. Je me suis attaché au scénario, et six semaines plus tard, j'ai appris que Jen l'avait lu et, comme moi, avait eu une forte réaction. On m'a demandé si je dînais avec elle, nous l'avons fait, il y a eu une connexion instantanée, et elle a signé ce soir-là. Nous étions en production quelques mois plus tard.
Peu de temps après ce dîner, je suis allé chez elle tous les matins pendant quelques semaines. Nous avons parcouru le script une page à la fois, en le lisant très lentement. À ce moment-là, nous ne pensions même pas aux performances ou aux résultats. Nous étions juste en train de parler, de nous associer librement, de riffer sur ce que ce matériel nous apportait personnellement. Nous avons parlé de nos propres vies et où nous nous sommes vus dans les personnages de Lynsey et James. Nous avons forgé un langage commun à cette époque, apprenant à nous connaître de manière fondamentale. Vous avez dit 'intimité' avant, et je pense que c'est mort. Et cela vaut pour chaque membre de la distribution de soutien, qui est principalement composée de personnes que je connaissais de la communauté théâtrale de New York. Je n'avais pas travaillé avec eux tous, mais tous ceux que je ne connaissais pas directement, que j'admirais de loin depuis longtemps. C'était franchement joyeux d'être entouré de visages familiers comme ça.
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Mais oui, les contraintes de temps sont un défi. Si vous êtes investi dans l'activation de la curiosité des autres, il est toujours possible de communiquer avec attention et respect. Vous écoutez et apprenez comment un acteur vous parle et le genre de questions qu'il pose. Je ne crois pas que deux acteurs parlent exactement la même langue, ou d'ailleurs, deux collaborateurs. Le plaisir du métier est de construire le langage particulier avec quelqu'un pour libérer sa créativité.
J'ai vécu à la Nouvelle-Orléans pendant un certain temps, et au cours de la dernière décennie, j'ai vu beaucoup de représentations différentes de la ville dans tous les films tournés là-bas. Celui-ci semble se rapprocher de la vraie vie telle que je la connaissais que la plupart. Comment avez-vous trouvé votre place dans la ville et sa culture ?
J'ai tellement de questions sur les restaurants à vous poser. Nous allons revenir à cela.
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Avez-vous mangé de l'alligator pendant que vous étiez en ville ?
Je suis vraiment désolé! J'avais trop peur. La prochaine fois, cependant. Mais oui, c'est vrai : ce film a été mon introduction à la Nouvelle-Orléans. La mise en place de la production là-bas était due à une constellation de variables réparties sur trois ans, j'avais donc eu l'incroyable chance d'y passer beaucoup de temps avant le tournage. Et pardonne-moi si ça sonne un peu Pollyanna, mais je pense vraiment que la ville te fait quelque chose. Beaucoup de villes américaines ressemblent à d'autres villes américaines, et rien à la Nouvelle-Orléans ne ressemble à nulle part ailleurs. Les habitants de la Nouvelle-Orléans nous ont ouvert leurs maisons et leurs rues avec une générosité incroyable. Comme vous le savez très bien, la ville a connu plus que sa juste part de traumatismes collectifs, et la résilience m'a été si évidente de manière grande et petite. La flottabilité de la fierté du lieu a enrichi le film de manière tangible et intangible, et nos vies, je dirais. Je me sens redevable à la ville et à ses habitants de m'avoir donné une partie de cette fierté contagieuse, pour un endroit que j'ai vraiment appris à aimer si rapidement. J'ai ressenti l'enjeu de rendre un portrait, espérons-le, crédible, véridique et aimant d'une ville américaine singulière, alors même que notre protagoniste se sent mal à l'aise chez elle.
La Nouvelle-Orléans a été historiquement identifiée avec ses sites touristiques, vous savez, Bourbon Street et le quartier. Il était important pour ce film - et pour moi d'être dans la ville en général - de montrer quelque chose appartenant aux vrais habitants, d'accéder aux espaces privés qui font que cette ville se sent comme une ville natale. Chaque image du film est tournée à la Nouvelle-Orléans. Il y a quelque chose dans l'air, je ne sais pas. C'est épais.
Ce film en particulier est bien adapté à la Nouvelle-Orléans dans la mesure où il s'agit à peu près de traîner; ces personnages travaillent dans une ville fonctionnelle remplie de personnes ayant des responsabilités à assumer, mais en même temps, leur vie est orientée autour des loisirs. On les voit faire des boules de neige, se détendre dans un parc, fumer un joint, se baigner. Cette combinaison de la vie métropolitaine avec une attitude qui donne la priorité à la détente, c'était mon séjour en ville.
Il y a beaucoup de raisons pour lesquelles le film est rythmé comme il l'est, la plupart d'entre elles étant liées au métabolisme émotionnel de ces personnages gardés. J'invite les téléspectateurs à la patience, tout comme nous voulons que ces personnages s'accordent de la patience. Et je me rends compte maintenant que cela doit être informé par mon séjour à la Nouvelle-Orléans, où les choses bougent au rythme où elles bougent. Si c'est plus lent, alors c'est plus lent. Et l'espoir est qu'un sens de la ville transparaît également dans la conception sonore; nous avons beaucoup parlé de la façon dont, dans une ville aux traditions musicales aussi diverses, nous pourrions mieux nous référer à cela de manière sonore. Nous avons pensé à une bande-son conventionnelle, mais avons finalement décidé que ce ne serait pas l'endroit idéal pour trouver la Nouvelle-Orléans. Donc, à la place, j'ai travaillé méticuleusement avec l'équipe du son afin que, diégétiquement, nous puissions remplir toutes les fissures du film avec de la musique locale provenant des voitures, des porches et des vitrines. C'est du rebond, de la soul, du jazz, du hip-hop, tout, et ça se mêle au tramway, aux bavardages, aux fils qui bourdonnent. C'était aussi important pour moi que la composante visuelle.
En faisant un zoom arrière, il y a quelque chose dans le film – peut-être dans la façon dont il porte son symbolisme – qui me rappelle une pièce de théâtre, malgré toutes ses qualités cinématographiques. Avec votre expérience, même lorsque vous êtes dans un médium différent, y a-t-il une qualité intrinsèquement théâtrale dans votre façon de penser à la narration ?
Je veux faire toutes sortes de films, dans des registres et des styles variés. J'imagine que ma vie au théâtre, qui va continuer, va vivre en conversation avec les films que j'aimerais faire. Mais la réponse courte à votre question est, je n'en ai aucune idée. Je suis sur le point de faire une pièce de théâtre, j'ai d'autres trucs de films et de télévision dans des phases de développement très préliminaires, donc je pense que c'est seulement quelque chose qui deviendra clair avec le temps, à mesure que des modèles et des habitudes émergent. J'en suis impatiente.