Alors que la poussière retombe sur la Croisette, le 76ème Festival de Cannes touche à sa fin avec la mauvaise attribution annuelle des récompenses. (Le drame judiciaire de Justine Triet Anatomie d'une chute méritait amplement la Palme d’Or, c’est bien, mais le jury — mené par Force Majeure, La Place, et Triangle de tristesse le réalisateur Ruben Östlund — n’a rien trouvé pour le mélodrame superlatif de Todd Haynes mai décembre ?) Au cours d'une année marquée par des calamités en matière de billetterie et des pluies torrentielles, l'épicentre du monde du cinéma offrait encore son lot de spectacles hors écran à voir, rappelant à la presse pressée pourquoi ils avaient fait le voyage à l'autre bout du monde : généreusement -le président du jury du chapeau Un Certain Regard, John C. Reilly, se pavanant sur la promenade principale comme le dandy maire d'une petite ville du Mississippi ; Harrison Ford a été ému aux larmes par les acclamations déchirantes pour sa dernière et sûrement dernière sortie dans le rôle d'Indiana Jones ; Martin Scorsese a lui-même eu l’eau aux yeux après avoir reçu une question de la veuve de Roger Ebert, Chaz, lors d’une conférence de presse. Il y a un mélange grisant d'excitation et de terreur dans l'air autour de ce lieu raréfié où vous pourriez penser que vous avez une conversation privée avec votre ami sur les effets du voyage sur vos selles, mais il s'avère que vous êtes à portée de voix de Jennifer Lawrence.
En tant qu'homme de sur la scène ces dernières semaines, j'ai déjà parlé du lauréat du meilleur premier film. Comment avoir des relations sexuelles et son distributeur MUBI, le Ultimate Cut qui change la donne de l'épopée charnelle Caligula , et les nouveautés de gros frappeurs comme Martin Scorsese ( Tueurs de la lune fleurie ) et Wes Anderson ( Ville d'astéroïdes ). Mais cela laissait trop de titres forts pour le temps et mes énergies mentales limitées pour s'adapter aux critiques individuelles, exigeant un résumé de type résumé pour faire passer la bonne parole sur les joyaux les plus brillants à attendre dans les cinémas et les chaînes de streaming au cours de l'année à venir. Une paire de batailles juridiques européennes avec des accusés testant la sympathie du public, un freakshow somnambulant sud-coréen, une grosse bouchée juteuse de fruit défendu en provenance de France, une romance avec une relation plus littérale aux festins indulgents, une comédie du désespoir appréciée par la critique. de Finlande – les informations sur tout cela et bien plus encore attendent ci-dessous. Désormais plus baguette qu’homme, je dis au revoir à la Côte d’Azur jusqu’à l’année prochaine, et au revoir au marché souterrain dans lequel des agences de vente à loyer modique colportent des films d’animation par ordinateur incroyablement irréels qu’aucun œil humain ne verra jamais. Je reviendrai pour vous, Puce .
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Anatomie d'une chute
Photo: Festival de Cannes
La Palme d'Or, le premier prix du festival, est revenue au drame trilingue et glissant de Justine Triet, qui se démarque du reste d'un genre rigoureusement formel par son refus de choisir l'accusée épineuse Sandra (Sandra Hüller, mieux ici que dans La photo anti-Holocauste posée et détachée de Jonathan Glazer La zone d'intérêt ) sous un jour sympathique. Relable n'est pas la même chose qu'innocent, mais comme son avocat lui explique, cela peut être encore plus important pour convaincre un jury qu'elle n'a pas tué son mari (Samuel Theis) qui serait tombé du dernier étage de leur maison enneigée. à la maison peu de temps après l'un de leurs fréquents combats de drag-down. Alors que Triet élimine les couches d'obscurcissement vers une vérité peu flatteuse, la bataille des mots et de l'esprit qui en résulte se joue comme un épisode de La loi et l'ordre avec la maladresse semi-consciente de soi remplacée par une conviction fragile dans le processus subjectif et imparfait de la justice. Jusqu’au dernier moment, nous ne pouvons pas être sûrs si elle l’a fait ou non, et Triet nous met au défi de nous demander si cela compte vraiment. (Avec la goutte d'aiguille la plus contagieuse du festival dans le La reprise teintée de reggae de Bacao Rhythm et Steel Band du P.I.M.P. de 50 Cent, entendu à plusieurs reprises dans le film, frappant une note émotionnelle radicalement modifiée à chaque lecture.)
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Feuilles mortes
Photo: Festival de Cannes
Après six longues années, le fils le plus fier de Finlande, Aki Kaurismäki, est de retour avec une autre tragi-comédie ironique et pessimiste sur les indignités microscopiques de la vie commune et les brefs moments de répit que nous y trouvons. Deux vies se croisent, l'une appartenant à un contractuel zéro heure (un arrangement déshumanisant dans lequel un employeur ne doit à l'employé aucun minimum d'heures par semaine) qui remplit les étagères d'un marché le jour et trie les matières recyclables la nuit, l'autre à peine un alcoolique fonctionnel se faisant expulser d'un poste d'usine à l'autre dans sa totale indifférence. La force qui les rassemble ne s’appellerait pas avec précision l’amour, comme ils le disent tous d’emblée dans un dialogue typiquement brutal mais oblique. Ils établissent tout de même un lien improbablement intime, une dynamique qui renvoie à quelques rares couples Ali : La peur mange l'âme (tout comme les colorations jaune-rouge suggestives, les schémas d'éclairage expressionnistes et le bar magnifiquement terne que le couple fréquente). Douce dans ses manières, tendre dans son romantisme blessé, mais avec une touche de cruauté dans son sens de l'humour, la sensibilité de Kaurismäki tisse avec élégance des courants de sentiments compliqués et contradictoires. (MUBI a déjà récupéré le titre, en vue d'une sortie en salles plus tard cette année avant de le diffuser en streaming.)
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L'été dernier
Photo: Festival de Cannes
Ahh, les Français – qui d'autre aurait pu réaliser ce drame délicieusement savonneux sur une femme de carrière sûre d'elle qui ne peut tout simplement pas s'arrêter de baiser son beau-fils nubile ? La cinéaste et agent provocateur Catherine Breillat n'a peut-être pas voulu qu'il s'agisse d'une comédie pleine de comédie sourde à travers le montage, mais même si son sens de l'érotisme (articulé principalement à travers des gros plans haletants et haletants de visages écrasés contre d'autres visages) manque son objectif. marquez, il atterrit dans un endroit plus révélateur et perversement divertissant. Notre fille Anne (Léa Drucker) a tellement d'occasions de mettre fin à cette liaison illicite et de prendre la bonne décision, elle sait même quel est ce choix et le dit à voix haute, et pourtant elle ne peut pas s'empêcher de faire la mauvaise chose. chaque fois qu'elle en a l'occasion. Il y a une allusion scandaleuse à la confession dans la manière flatteuse avec laquelle Breillat photographie le léger et glabre Samuel Kircher, nous emmenant dans la perspective taboue de son admirateur adulte, même si elle voudrait aussi nous faire croire que il c'était celui qui faisait les mouvements son . (Pour une couche supplémentaire de sous-texte nauséabond, Kircher, actuellement âgé de dix-huit ans, devait avoir dix-sept ans lors du tournage des scènes de sexe plutôt franches avec Drucker déshabillé.) Le cœur veut ce qu'il veut, un axiome que Breillat pousse à son point de rupture avec cette quasi-parodie de la transgression gauloise.
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Images de fantômes
Photo: Festival de Cannes
Bien que cette année ait vu l’exploration d’une usine de tissus par Wang Bing Jeunesse En compétition, Cannes fait généralement peu de documentaires, ce qui rend d'autant plus bienvenue cette tranche de vie quasi autobiographique dans la ville brésilienne de Recife de Kleber Mendonça Filho. L'ambiance détendue de son projet de confinement, une combinaison d'histoire locale et personnelle superposée par sa voix off douce pour les oreilles, convient à un endroit où les habitants préfèrent se détendre lorsque les dures réalités sociopolitiques de la région le leur permettent. . Les chiens paressent au soleil et les chats marchent nonchalamment sur la pointe des pieds à travers des bobines de fil de rasoir tandis que Mendonça réfléchit à la façon dont Recife a influencé le cinéma en général et ses films en particulier, une symbiose créative émouvante entre un artiste et sa maison. Hommage élégiaque aux théâtres somptueux de la région (certains préservés, d'autres en ruine, rappelant brutalement le passage constant du temps) et au patrimoine culturel plus vaste comprenant de la musique traditionnelle et des démonstrations de capoeira, cette œuvre loin d'être mineure propose une visite guidée à travers un magnifique et important lieu de la cinéphilie mondiale. Les passionnés de l’œuvre de Mendonça en profiteront encore davantage, car il expose la manière subtile dont la géographie de la ville a sculpté son œuvre bien au-delà d’une simple toile de fond.
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Les délinquants
Photo: Festival de Cannes
Les films de braquage ont tendance à se préoccuper du quoi et surtout le comment sur la question de pourquoi , mais avec son drame décalé de contemplation, le scénariste-réalisateur argentin Rodrigo Moreno s'intéresse moins aux détails du processus et à l'action d'exécution qu'aux retombées existentielles d'avoir soudainement de l'argent. Quand deux copains (Daniel Elias et Esteban Bigliardi) décident de braquer la banque où ils travaillent, ce n'est pas beaucoup plus compliqué que l'un d'eux repart avec l'argent pendant que l'autre s'assoit au travail pour se créer un alibi, puis s'accroche à l'argent. sac de sport chaud. Les années qui s’étendent devant eux offrent des obstacles plus intimidants et abstraits à franchir ; sans obligation de travailler, qu’est-ce qui empêche une personne de tourner le dos à la société pour une commune agricole utopique et le mode de vie nourrissant pour l’âme qu’elle offre ? Alors qu’un coupable s’infecte en prison, la notion de liberté prend un sens inconnu, orienté vers la richesse spirituelle plutôt que vers la simple richesse. Animé par un humour absurde et pince-sans-rire et ramené à de lourdes considérations sur la futilité et la manière dont nous pourrions en sortir, le film de Moreno trace la voie vers l’inconnu vivifiant, effrayant et libérateur.
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L'affaire Goldman
Photo: Festival de Cannes
La section latérale de la Quinzaine des Réalisateurs s’est ouverte sur une procédure judiciaire d’un genre différent, mettant en vedette un homme tout aussi difficile à soutenir qu’il défend sa propre liberté. Les passages abrasifs sur le militant d'extrême gauche perma-irré Pierre Goldman (Arieh Worthalter, de la nitroglycérine dans les veines) parlent plus d'un thème et d'une idée que d'un personnage, destinés à jeter le doute sur le système judiciaire bourgeois dont il refuse de reconnaître l'autorité au cours de son mandat. procès dans la France des années 70. Il est accusé d’un double homicide ; alors qu’il affirme qu’il n’est coupable que de braquage de banque et de réflexions incendiaires, il rejette catégoriquement l’idée selon laquelle il serait jugé par l’appareil d’un État intrinsèquement fasciste et raciste. Même s’ils étaient très en avance sur son temps, l’homme a fait valoir certains points, son antagonisme inflexible envers le concept de loi lui-même étant rendu convaincant par son intensité ardente. Tourné de manière acrobatique et levé par une dose occasionnelle de légèreté - l'inimitié croissante entre Goldman et ses avocats de plus en plus exaspérés se transforme en une plaisanterie sèche - c'est une chape iconoclaste chargée canalisée dans un mode narratif familier, la rencontre idéale de l'idéologie intellectuelle et de l'opinion lowbrow. sensations fortes du genre.
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The Pot-au-Feu
Photo: Festival de Cannes
Peu de temps après ce délice épicurien du lauréat du prix du meilleur réalisateur Trần Anh Hùng, un téléspectateur peut se surprendre à penser que tous les films devraient s'ouvrir avec une bonne demi-heure de Juliette Binoche préparant un somptueux dîner français somptueux et époustouflant. C'est une chef virtuose qui cuisine sous l'emploi privé d'un maître restaurateur (le grand Benoît Magimel) à la fin du 19e siècle, avec un soupçon d'attirance naissant entre eux alors qu'ils ont communié sur la piété de la nourriture au fil des décennies. Lorsque la caméra ne s’attarde pas sur du porno culinaire qui met en appétit, elle regarde respectueusement les deux gourmands céder à leur goût l’un pour l’autre, les deux fusionnés dans le match le plus important depuis que les singes de Kubrick ont jeté cet os en l’air. Le sujet et la présence de l'inimitable Binoche rappellent les agréables morceaux de la période intermédiaire que Miramax colportait à la fin des années 90 et au début des années 2000, mais l'élimination du maïs de la recette le rapproche des plaisirs de principe de Le festin de Babette que la bouillie trop cuite de Chocolat . Le pouvoir libérateur de l'indulgence sensuelle, que ce soit dans la cuisine ou dans le sexe, justifie la vocation plus élevée de ce film de réponses généreuses et gratuites (de la meilleure façon).
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Dormir
Photo: Festival de Cannes
Il y a quelque chose de touchant – d’une manière perturbée et troublante, l’hommage d’un malade à un autre – que Jason Yu, ancien premier assistant réalisateur de Les chiens qui aboient ne mordent jamais l'auteur Bong Joon-ho, remplirait également son premier film de cadavres de malheureux chiens. Le penchant coréen de renommée mondiale pour le contenu extrême est bien vivant dans cette sélection de la Semaine de la Critique, qui lance la fête avec un homme (Lee Sun-kyun) tentant de se gratter la peau de son propre visage. Un esprit agité dans le complexe d'appartements confortable mais abandonné qu'il habite avec sa femme (Jung Yu-mi) prend le contrôle de son corps la nuit et l'oblige à faire toutes sortes de choses indescriptibles, une situation difficile que son épouse ne supportera pas de rester allongée. . Ses efforts pour déjouer leur bourreau spectral dégénèrent en une bataille de volontés tordues la poussant à ses limites psychologiques, son saut précipité dans la folie avec le troisième acte un renversement efficace des attentes alors que le protagoniste et le monstre échangent leurs rôles. La ruse de Yu est peut-être modeste à ce stade précoce de sa carrière, mais il possède une base solide d’inventivité sadique, une attitude disposée et capable d’atteindre de nouvelles normes de comportement dépravé.
Charles Bramesco ( @intothecrevassse ) est un critique de cinéma et de télévision vivant à Brooklyn. Outre , son travail a également été publié dans le New York Times, le Guardian, Rolling Stone, Vanity Fair, Newsweek, Nylon, Vulture, The A.V. Club, Vox et de nombreuses autres publications semi-réputées. Son film préféré est Boogie Nights.